Die Kunst der unendlichen Entdeckung: Interview mit dem Künstler Robin Treier

THE RICE SOCIETY Was ist Ihre Geschichte? Was hat Sie dazu motiviert, Künstler zu werden?

ROBIN TREIER Schon in jungen Jahren drückte ich mich gerne durch Zeichnen, Malen und Bauen mit Spielzeug aus. Ich hatte ständig das Bedürfnis, Dinge zu teilen, die mir Freude bereiteten oder mich faszinierten. Immer wenn ich wusste, dass Verwandte zu Besuch kamen, bereitete ich eine Menge Dinge vor – Bücher, Zeichnungen, Dinge, die ich in der Natur fand –, um sie ihnen zu zeigen und darüber zu sprechen. Für manche war das vielleicht etwas überwältigend, denke ich.
Später entschied ich mich für ein Grafikdesign-Studium. Ich dachte, es wäre ein Beruf, aber immer noch nahe an der Kunst. Natürlich lernte ich, dass es eine andere Praxis ist, vor allem wegen des Ziels, ein Problem zu lösen, obwohl es immer noch viele Prinzipien und Ästhetiken verwendet, die wir im Labor entwickelt haben – also in der Kunst.
Letztendlich zog es mich immer wieder zu meinem Wunsch zurück, frei zu gestalten, selbst nach einem tragischen Ereignis Ende 20, das mich aus der Fassung brachte. Aus Neugier ging ich zurück an die Uni, um Medientheorie zu studieren. Doch im zweiten Semester begann ich wieder, Kunst zu schaffen, die ich später ausstellte. Mir wurde klar, dass ich einfach zu viel Angst hatte, das zu tun, was ich wirklich brauchte und wollte.
Letztendlich hat mir nichts so ein besonderes Gefühl vermittelt wie das Erkunden während eines Kunstprojekts, dem zu folgen, was mein Interesse weckt, zu versuchen, dorthin zu gehen, wo ein wenig Angst herrscht, und sie den Leuten zu zeigen.

TRS: Was inspiriert Sie am meisten?

RT Hm, das ändert sich sehr. Ich bin zu der Überzeugung gelangt, dass alles auf seine Art faszinierend ist, wenn man es genau genug betrachtet. Wir sind buchstäblich von Wundern umgeben, und das liebe ich. Vielleicht ist es also die unergründliche Komplexität von allem, die mich inspiriert.
Ein Thema, das mich immer wieder inspiriert und neugierig gemacht hat, sind Medien und Medientheorie. Medien sind so interessante, gespenstische Dinge. Ich liebe es, sie zu vermischen und seltsame Dinge mit ihnen zu tun, und habe sogar Kopfschmerzen, wenn ich versuche, sie zu verstehen. Sie können manchmal wie Magie wirken, und wir sind von ihnen umgeben – technologischen wie natürlichen Medien. Selbst wenn ich 100 Jahre alt werde, werde ich meine Neugier auf sie noch lange nicht ausgelebt haben und sie wahrscheinlich immer noch kaum verstehen. Es passiert einfach so viel, physisch, psychologisch und philosophisch. Vielleicht fällt es mir deshalb immer noch so schwer, kurz zu erklären, was mich an ihnen fasziniert.
Die Medienwissenschaft war und ist für mich auch ein Zufluchtsort. Manchmal brauche ich viel Zeit, recherchiere und übe Selbstreflexion, um ein neues, fertiges Kunstprojekt zu entwickeln.

Aber ich bin immer noch das Kind, das Dinge teilen möchte, die mich faszinieren. Das kann schon eine kreative Herausforderung sein – von der Art und Weise, wie man etwas erzählt, bis hin zum Videoschnitt und so weiter. Selbst wenn ich mich in meiner Kunst schwer tue oder verloren fühle, finde ich immer noch Freude an dieser spielerischen Kreativität.

TRS: Welches Projekt oder welche Serie ist für Sie etwas Besonderes und warum?

RT : 2012 ermutigte mich zum ersten Mal seit meinem Burnout jemand, wieder Kunst zu machen. Jens Kenserski von der Agentur Pulsmacher war es, der mir eine langjährige Kunstreihe veranstaltete, bei der jedes Jahr ein Künstler eingeladen und mit den nötigen Mitteln ausgestattet wurde, um ein Kunstwerk zu schaffen. Ich lehnte zunächst ab, weil ich Angst hatte, dass das, was mich wirklich interessierte, „zu hässlich oder sogar dumm“ zum Ausstellen sein könnte – ich hatte Angst.
Aber sie haben mich sehr ermutigt.

Es heißt „Walt & me“ und besteht aus einer 3,00 x 1,60 m großen Leinwand, einem Video und 100 Polaroids, aus denen eine Edition entstand. Während der anderthalb Monate, in denen ich malte, machte ich jedes Mal eins, wenn ich Angst hatte oder das Gefühl hatte, es nicht fertigstellen zu können. Von Anfang an sagte ich ihnen, dass ich am Ende ein Bild abliefern würde, das wieder ganz in Weiß gehalten ist, nur mit ein wenig Polaroid übermalt. Also verbrachte ich Zeit damit, dieses Porträt von Walt Whitman zu malen, einem Dichter, den ich liebe. Und obwohl es ein Gemälde war, war es so flüchtig wie ein Tanz oder ein Lied – normalerweise fühlte sich meine Kunst für mich immer so an. Nach einigen Momenten der Freude und des Stolzes verschwindet sie. Ich fange an, Fehler zu sehen, ich bezweifle es. Ich wollte herausfinden, ob ich das umgehen oder zumindest veranschaulichen kann, wie ich mich fühle. Und ich wollte wissen, wie es sich anfühlen würde, es loszulassen, kurz bevor ich es weiß übermalt habe.

Das kann ich nie wieder erleben. Es war ein sehr, sehr interessantes Gefühl. Das Projekt gab mir den Mut, in meiner Kunst ehrlicher und in meinen Entscheidungen mutiger zu sein.

TRS: Was war das Lustigste, das Sie kürzlich entdeckt und mit Ihrer Community geteilt haben?

RT Oh, das ist schwer zu sagen. Ich teile viel. Ich denke, es war wahrscheinlich etwas von dem kreativen Monster Pablo Rochat oder Eric Andre (die Show ist ein kreativer Tornado mit einer neuen, unerwarteten Idee alle paar Sekunden) oder vielleicht ein Herr der Ringe-Meme. Da war eines, in dem Gandalf den Hobbits befahl, den Palantír nicht zu berühren, gepaart mit einem Video eines Turners, der mit einem Ball trainierte, mit dem Titel „Pippin“.

TRS: Wie können Künstler Ihrer Meinung nach dazu beitragen, nachhaltigere Kunstpraktiken zu fördern?

RT Ich bin fest davon überzeugt, dass Kunst und Wissenschaft im Großen und Ganzen sowohl Labore als auch Innovatoren der Gesellschaft sind – jeder auf seine eigene Art und Weise.
Kunst und Wissenschaft können sich gegenseitig stark beeinflussen und fördern, und das tun sie auch oft in zahlreichen Kooperationen. So gibt es beispielsweise selbst am CERN und in vielen anderen Technologiebereichen eine Kunstresidenz, bei der oft der Austausch unterschiedlicher Sichtweisen zu einem Thema im Mittelpunkt steht.
Die Tische, an denen wir unsere Zukunft gestalten, müssen so vielfältig wie möglich sein, denn je mehr Perspektiven wir auf ein Thema haben, desto reicher werden diese Tische.
Kunst ist ein besonders freies Feld, in dem Neugier, ungewöhnliche oder gar „dumme“ Fragen sowie herausfordernde Perspektiven und altmodische Ansätze nicht verpönt sind – selbst wenn die Gesellschaft manche Formen davon als störend empfinden mag. Gruppen – ob klein oder groß – tendieren dazu, etablierten Ideen zu folgen, aus Angst vor dem Scheitern und dem Verlangen nach klaren Antworten. Wir mögen keine Mehrdeutigkeit. Kreative, innovative Ideen gedeihen jedoch am besten in einem Zeitrahmen, in dem man Mehrdeutigkeit, Chaos und die Möglichkeit akzeptiert, dass viele Antworten gleichermaßen wahr sind oder ein Fehler in einem anderen Licht betrachtet ein Gewinn sein kann.

Künstler leben an diesem Ort. Es ist ihr Zuhause. Das kann hilfreich sein, glaube ich.

Außerdem hat es mir immer gefallen, dass Kunst Dinge in die Welt bringen kann, die keinen pragmatischen Daseinsgrund haben. Sie kann Emotionen wecken, die uns helfen, aber auch neue Fragen, neue Verknüpfungen in unserem Gehirn und damit neue Ideen schaffen – denn die Architektur unseres Gehirns ist ein Netzwerk aus Verknüpfungen. Manchmal ist es schwierig, im Rahmen des Praktischen und Etablierten neue Verbindungen zu finden. Wir brauchen neue Verbindungen und neue Ideen – und zwar sehr.